Bitácora Color y Estudio (1ART33–0401)

Unidad 3: Relatividad y Perspectiva del Color: Autorretrato y contexto en mosaico de color

En esta tercera y última unidad se tuvo como ejercicio el realizar un autorretrato en un tiempo de 5 semanas. Se explicará en este apartado desde el proceso de posicionamiento del caballete y de nosotros en el espacio, el desarrollo de la pintura del lápiz al pincel, las correcciones hechas a lo largo del tiempo y finalmente los resultados para el cierre de la unidad.

Como dije anteriormente, este último ejercicio al ser llamado autorretrato y contexto en mosaico de color, nos hace referencia a que no solo tenemos que representarnos a nosotros mismos, sino también tener en cuenta el contexto que nos rodea para poder brindar más relación y realidad a la pintura en cuanto a la luz. Desde el inicio se nos explicó claramente este criterio, por lo que era de suma importancia encontrar un lugar en el salón de clases que nos dé la seguridad para representar esta profundidad; un lugar donde la luz se proyecte en nosotros de una manera que se entienda el cuerpo y la cabeza en un espacio interior.

Debido a esto, convenía que la luz se proyectara solo en un lado de la cara, por lo que finalmente decidí posicionarme cerca del ventanal del salón de manera en que el lado izquierdo de mi cara y torso estén en luminosidad y la otra parte en oscuridad. Además, me posicioné en 3/4 fijando mi mirada hacia la derecha, para que la zona de luz proyectada se intensificara más y ocupe más espacio de mi rostro.

Desarrollo de la pintura:

Ya con la posición delimitada, era hora de empezar a dibujarme a manera boceto en el formato donde iba a realizar el proyecto.

Traté de observar detenidamente la forma de mi cara, mis pómulos y la manera en la que mi cabello se forma cuando lo amarro, ya que decidí tenerlo amarrado para el retrato. Empecé a hacer lineas guías en mi rostro para saber la distancia entre mis ojos, que tanto tenía que crecer mi nariz así como entender las proporciones entre los labios y la barbilla, entre otras cosas.

Al ya tener un dibujo detallado de la estructura de mi cara, decidí agregarle grises con el lápiz que estaba utilizando para ya tener una noción de las zonas en las que tenía que agregar más oscuridades o luminosidades.

Por lo que empecé a buscar tonos y matices para mi cara, basándome enteramente en la observación, pero también entendiendo que pueden existir varios tonos en una zona y que finalmente en conjunto tendrá un sentido.

En el proceso de manchar todo el formato, decidí empezar por la cara pero no solo centrándome en ella, sino manchando en franjas horizontales, añadiéndole color al cabello y también entendiendo las oscuridades de los labios y el cuello. Quise pintar de esta manera para que poco a poco todos los tonos empiecen a tener una base y un contexto de hasta qué punto la luz y oscuridad van, cómo los otros elementos se van proyectando en el mismo rostro y hasta qué punto puedo cambiar de tonos inicialmente.

Continué entonces a seguir manchando la cara, centrándome principalmente en esta pero sin que esta acapare toda mi atención, como se puede ver, empecé a añadir más color en las zonas del cabello y en la ropa, que a este punto había decidido que sea un rosado pálido para que tenga un mejor contraste y se complemente con mi cabello verde.

Si se ve más detenidamente, se puede llegar a observar que no solo use tonos cercanos al tono de mi piel, sino que, por ejemplo, utilicé naranjas para los pómulos, verdes para la reflexión de mi cabello en mi cara, morados oscuros para las sombras, grises en la cuenca de los ojos y azules para las mayores profundidades: siempre teniendo en mente la idea de la construcción de una zona por varios tonos variados, que en conjunto comprenden una unidad.

Después de manchar toda la cara y cuello, decidí manchar todo el fondo, elemento decisivo en la composición del espacio. Decidí que el fondo tenga tonos azulados y grisáceos para que complementara estos dos colores principales en el autorretrato: el verde de mi cabello y cejas, y el rosado de la ropa que utilizaba.

Con el color de fondo ya decidido y habiendo manchado parte del fondo en las zonas donde se encuentra la cabeza, hizo que le diera una mirada diferente al proceso que estaba realizando hasta este momento.

Me di cuenta que le estaba dando más importancia a los valores tonales y la cantidad de colores que podía agregar en el retrato, lo cual me parece bueno, pero también tengo que enfocarme en las temperaturas y valores relacionados con la luz, ya que ello me ayuda a complementar los tonos: como estos dos aspectos van de la mano entonces decidí brindarle más atención a cómo ciertas áreas de la cara recibían más luz y por consecuencia esa zona de la cara era más fría y brillante.

A este paso de la pintura, también tuve que entender la construcción de la cabeza y los planos que contenía, como por ejemplo, los tres planos que existen en la parte del pómulo y la mejilla. Utilicé herramientas virtuales para hacerme entender mejor este tema, delimitando los planos, entendiendo de dónde viene la luz y cómo se comportan estas áreas al respecto. Así, pude entender mejor este tema y por consecuente, utilizar mejor las temperaturas de colores para las diversas áreas.

Al ya haber pintado la mayoría del fondo así como tener la mayor parte de la cara manchada y ya empezando a ir al detalle, me pareció correcto revisar de nuevo si existían problemas de proporción en la cara, para que todos los aspectos estuvieran relacionados.

Fue aquí donde pude ver que la zona del cabello de la parte izquierda de mi retrato se mostraba mucho para tener un ángulo de tres cuartos, lo que hacía que la parte trasera de mi cabeza, pierda visión y no se vea natural. De igual manera, me di cuenta que el ojo derecho también se veía inconcluso, ya que llegaba hasta el pómulo y carecía de sentido para el ángulo en el que estaba realizando el autorretrato.

Por otro lado, también me di cuenta que el color del fondo estaba bastante encendido para ser el color de un ambiente interior y que carecía de sentido en cuanto a luces y sombras. Un comentario que me pareció interesante, fue que existía un punto en la pintura en la que ya no te debías basar enteramente en la observación en el espejo para continuar con el desarrollo, sino también ver y entender lo que ayudaba a la pintura a verse mejor, en técnica, tonal y contextualmente.

Esto me ayudó a entender que el fondo poseía bastante importancia ya que ayudaba a que las luces y sombras en la cara del autorretrato se mostraran mejor por lo que decidí bajarles el tono azulado y volverlo más grisáceo, así como oscurecer una zona del fondo y aclarar la otra parte para el entendimiento de luces y volúmenes en el contexto.

Al ya estar satisfecha con la cara y el volumen y profundidad que tenía en todos los aspectos, decidí centrarme en la ropa que tenía, ya que podía ver que no se entendía del todo bien de donde provenía la luz, sentía que todavía se veía como una mancha, por lo que empecé de nuevo a definir los planos y las temperaturas que tenía cada uno de estos así como definir los pliegos.

A la par de este proceso, también quería corregir pequeños detalles de la cara, proceso que también me pareció importante, como detallar ciertas áreas del cabello, separar la misma cabeza y pelo del fondo y darle profundidad y mas detalles a partes de los ojos.

Autorretrato final

Conclusiones

Al finalizar este autorretrato y el curso en general siento que tuve mejoras notables a lo largo del ciclo.

Creo que en la pintura en general existen varios aspectos que no se toman en cuenta si no analizamos a profundidad, empezando desde el posicionamiento de la persona en el espacio y cómo la luz se proyecta en la persona. Por lo que la observación es de suma importancia para todo este proceso.

A diferencia del anterior trabajo, siento que en este me he desenvuelto mejor debido a que pude entender que la pintura puede estar compuesta de pequeñas manchas de diferentes colores pero que en conjunto creen un plano entendible, muy relacionado a las temperaturas del espacio y el tipo de luz. Me di cuenta que me gusta experimentar con diversos colores inusuales en una cara pero que al final si poseen un sentido, esta idea de variación de colores me parece muy interesante por lo que utilizarla en mi propio retrato me trajo inspiración y ganas para continuar con el trabajo.

Debido a que la cara es un volumen que posee infinidad de variaciones de profundidades en los pómulos, frente, alábela, cuenta de los ojos, mejillas, labios y huesos que sobresalen, existen muchas variaciones, por lo que la técnica de realizar pequeñas machas con colores diferentes me ayudó bastante como primera mancha y para continuar reforzando las oscuridades obtenidas: siento que en este trabajo me pude expresar mejor en cuanto a técnica y manejo del pincel, porque entendí que este ejercicio era primordial que se entienda que era una representación y una pintura hecha por los alumnos, por lo que no me dio miedo intentar otras técnicas y añadir más colores que al final resultaron y le dieron calidad a la pintura.

Otro aspecto importante y que me pude dar cuenta casi al final del desarrollo era que también era de mucha importancia separar el fondo y hacer que se entienda como espacio interior, así como tratar de separar este de la persona: se tiene que entender la profundidad de esta cabeza, que al fin y al cabo es una esfera, y para esto es importante el lugar en donde se encuentra esta, donde esta apoyada y la lejanía o cercanía de esta en el espacio.

A comparación del ejercicio del bodegón, siento que también me pude organizar mejor en cuanto a tiempo debido a que pude terminar la pintura en las horas de clases, solo quise llevármela para poder realizar algunos detalles finales, por lo que creo que si fue una buena cantidad de tiempo para poder avanzar en clases.

Finalmente creo que he podido entender los criterios que se esperaban de este curso y pude experimentar con diferentes ejercicios lo que involucra la pintura, entendiendo los aspectos que la influencian y no teniendo miedo de experimentar con colores, así como se hacía en grises en los trabajos de claroscuro.