5 curiosità sui classici del cinema che forse non sapevi.

“Cinema nella periferia di Napoli”, foto di Thomas Hoepker, 1956.

Sin da quando i fratelli Lumière hanno proiettato la prima pellicola per un pubblico pagante nel dicembre del 1895, nel corso dei decenni siamo stati avidi di informazioni circa le opere e i set che le mettono in scena; giornali, riviste, documentari sul backstage, aneddoti e tutto ciò che possa renderci partecipi, anche in minima parte, di un prodotto cinematografico o della vita di chi vi prende parte ci intriga al punto da volerne sapere sempre di più, e sempre più degli altri.

Ecco dunque cinque curiosità da poter utilizzare per stupire i vostri amici cinefili o per incuriosire anche coloro che mettono su un film solamente come rumore bianco.

1. La casa di Norman Bates in “Psycho” è un dipinto di Edward Hopper.

Edward Hopper — Casa lungo la ferrovia(1925), olio su tela, 61×73,7 cm, MoMA di New York.

Il Bates Motel è certamente l’ultimo posto al mondo in cui vorremmo fare sosta, ma l’affascinante casa in stile vittoriano alle sue spalle cerca, non senza riuscirci, di prendersi ad ogni inquadratura gran parte della scena. E se durante la visione sentirete la vostra compagnia esclamare qualcosa del tipo “Che bella quella casa, sembra un dipinto”, sappiate che questa è una delle poche occasioni che avete per dire che è vero.

La casa di Norman Bates in una scena del film “Psycho” (1960), di Alfred Hitchcock.

Casa lungo la ferrovia (1925) è il dipinto di Edward Hopper che nel 1960 ha ispirato Hitchcock per la ricostruzione di Casa Bates, costituita in origine soltanto dalla facciata anteriore e dal lato sinistro, a cui sono stati poi aggiunti il retro e il lato destro nel 1964. L’edificio incarna così bene l’atmosfera cupa e lugubre della pellicola che diventa esso stesso uno strumento portante per la promozione del film: il regista inglese, infatti, realizza un trailer speciale in cui in prima persona mostra stanza per stanza l’abitazione, spiegandone le vicende avvenute al loro interno. La casa viene poi smantellata nel 1980, riposizionata nel 1982 per il sequel del film e infine ricostruita interamente per il terzo capitolo nel 1985.

James Dean sul set de “Il Gigante” con il ranch Reata sullo sfondo, anch’esso ispirato al dipinto “Casa lungo la ferrovia” di Edward Hopper.

Quanto al dipinto, è interessante sapere che Casa lungo la ferrovia è stato d’ispirazione anche al regista George Stevens nella realizzazione del ranch Reata per il dramma epico del 1956 “Il Gigante”, l’ultimo film in cui James Dean appare da protagonista prima della sua prematura scomparsa.

2. Il primo appuntamento di Rocky e Adriana non nasce dal romanticismo, ma dalla mancanza di budget.

“Rocky” (1976) — L’iconica scena del pattinaggio sul ghiaccio.

Chi di noi non viene subito trascinato dai ricordi soltanto a vedere questa immagine, e chi di noi non ha sognato almeno una volta un appuntamento tanto dolce e autentico? Eppure, il copione originale di Rocky prevedeva una scena leggermente diversa.

Sulla pista di pattinaggio, insieme a Rocky e Adriana, avrebbero dovuto presenziare circa 300 comparse. Tuttavia, Rocky non è uno di quei film conosciuti per il suo budget straordinario: con un ammontare di appena 960mila dollari, l’opera è stata spesso soggetta a modifiche e tagli dell’ultimo minuto per mancanza di fondi. La scena del pattinaggio è una di quelle. Dal momento che la produzione non può permettersi apparizioni extra, per ovviare al problema Sylvester Stallone riadatta la scena trovando un escamotage perfetto, facendo cioè coincidere la sera dell’appuntamento con la sera del Ringraziamento, giornata di festa in cui le attività restano pertanto chiuse.

Fare di necessità virtù non è mai stato più proficuo, un colpo di genio che ha permesso ad una scena già buona di diventare indimenticabile, e ai personaggi di mettere in mostra i lati di un carattere che nei successivi centoventi minuti avremmo imparato ad amare.

Con la presenza delle comparse probabilmente non ci saremmo concentrati abbastanza sulla dolcezza e sulle insicurezze di Adriana, sulla generosità di Rocky, sulla sua capacità di persuasione (è lui che convince il proprietario a mettere a disposizione l’intera pista) e sul fatto che se ha scelto il pugilato è perché “non sa né cantare né ballare”.

Come il suo protagonista, il film è la prova che non contano le difficoltà che si presentano sul nostro cammino, ma conta il modo in cui si reagisce ad esse, e se prendiamo in esame anche solo questo aneddoto, possiamo di certo dire che mai reazione fu più brillante.

3. Al Pacino ha rischiato il licenziamento durante le riprese de “Il Padrino”.

Immaginare un volto per Michael Corleone che non sia quello di Al Pacino è cosa impossibile, ma c’è stato un tempo in cui la presenza dell’attore nella pellicola era tutt’altro che sicura.

A volerlo fortemente per il ruolo è il regista Francis Ford Coppola, che non poche volte si scontra col volere della Paramount circa le scelte degli attori; per Michael Corleone, nello specifico, la produzione gli preferisce Jack Nicholson, Dustin Hoffman o Robert Redford, ai quali viene offerta in precedenza la parte, ma Coppola oppone una resistenza così ostinata da rischiare lui stesso il licenziamento. L’intervento di Marlon Brando, che minaccia di abbandonare il film se Coppola non ne è il regista, permette ad entrambi di avere la meglio, ma anche dopo aver rivestito i panni del giovane Corleone, la Paramount continua a essere riluttante sull’idoneità di Al Pacino e non smette di tenerlo d’occhio.

Al Pacino nei panni di Michael Corleone nella scena dell’omicidio di Sollozzo.

È però durante le riprese di una particolare scena che la produzione si ricrede completamente, convincendosi alla fine che la scelta di Coppola sia quella vincente. Michael Corleone viene coinvolto per la prima volta negli affari loschi della famiglia e presenzia all’incontro con Sollozzo e il capitano corrotto McClusckey; i tre cenano in un ristorante del New Jersey e discutono di affari, fino a quando Michael, come istruito da Sonny e Clemenza, si allontana per andare in bagno, dove trova la pistola posizionata lì per lui di proposito. Michael si arma, torna in sala, e mentre si apprestano alla cena spara un colpo a Sollozzo e due a McClusckey, freddandoli.

La recitazione di Al Pacino, capace di evocare magistralmente sia la lucidità che il nervosismo di Michael per il suo primo incarico, persuade finalmente la Paramount e sigilla un sodalizio grazie al quale viene data vita a un personaggio che, nell’immaginario collettivo, è stato in grado di conquistarsi l’immortalità.

4. Il protagonista maschile di “Casablanca” doveva essere Ronald Reagan?

Sì, quel Ronald Reagan, che prima di addentrarsi nella politica aveva all’attivo 53 film realizzati in oltre vent’anni.

Nel gennaio del 1942 la rivista The Hollywood Reporter annuncia che per l’interprete di Rick Blaine, il protagonista del nuovo film in produzione della Warner Bros., è stato scelto proprio Reagan. La notizia non si basa su un lavoro di fantasia della redazione, ma da un reale comunicato stampa rilasciato dalla Warner e diffusosi a macchia d’olio.

Dunque Ronald Reagan è stato rimpiazzato da Humphrey Bogart?Assolutamente no.

Il comunicato della Warner, come attestato poi dagli storici nel corso degli anni, serviva solo da pretesto per mantenere l’attenzione sul nome dell’attore e di Ann Sheridan, co-protagonisti in un altro film dello studio, King’s Row, in uscita proprio in quel periodo. La presenza di Reagan nel film non sarebbe mai potuta andare in porto, non solo perché l’attore, già sottotenente, stava per essere richiamato alle armi con l’entrata in guerra degli Stati Uniti, ma perché il produttore Hal Wallis non aveva mai considerato nessun altro attore per il ruolo al di fuori di Bogart.

Humphrey Bogart interpreta Rick Blaine in “Casablanca”.

In una nota lasciata per il capo dello studio, Jack Warner, Hal Wallis scrive: “Bogart è ideale per “Casablanca”, e la sceneggiatura è stata scritta pensando a lui…”. L’idea che Ronald Reagan fosse la prima scelta della produzione è pertanto uno dei numerosi falsi miti cristallizzati nella storia del cinema e nell’opinione comune, ma è anche il riflesso di un’opera portata a compimento giorno dopo giorno, con un finale ancora tutto da scrivere a poche settimane dalla fine delle riprese e tra frequenti incertezze e indecisioni, nessuna delle quali però ha mai riguardato la scelta del suo protagonista.

5. L’uso del termine “gaslight” è dovuto a un film omonimo del 1944.

“Gaslight” (1944), regia di George Cukor.

“Fare gaslighting” è l’espressione che fa riferimento a una grave forma di manipolazione psicologica in cui la vittima viene portata a dubitare della propria memoria, dei propri sentimenti e della propria capacità di percezione. Oramai largamente in uso anche nel nostro quotidiano, il termine gaslight, che deve la sua ampia diffusione al celebre film diretto da George Cukor nel 1944, deriva in realtà dall’opera teatrale del 1938 scritta da Patrick Hamilton e adattata in una prima versione cinematografica britannica nel 1940. Tuttavia, è il remake americano con Ingrid Bergman ad imprimere nell’immaginario collettivo l’associazione tra il termine e la pratica manipolatoria.

Ingrid Bergman e Charles Boyer nel remake del 1944.

La storia segue le vicende di Paula Alquist e Gregory Anton, giovani sposi che si trasferiscono nell’appartamento in cui molti anni prima la zia di Paula è stata derubata e uccisa. Subito dopo il trasferimento, comincia per Paula una serie di eventi inquietanti: sposta oggetti senza rendersene conto, vede la luce delle lampade a gas affievolirsi e sente rumori dal piano superiore dell’abitazione, abbandonato per volere del marito.

Quando Gregory perde il suo orologio, che viene poi ritrovato nella borsa della moglie, lui l’accusa di averglielo sottratto scatenando in lei una crisi isterica e minacciandola pertanto di internarla in manicomio.

A questo punto la stabilità mentale ed emotiva di Paula precipita: Gregory le impedisce di uscire da sola e di incontrare altra gente, la tratta con freddezza e la convince di essere sull’orlo della pazzia.

Nel frattempo Brian Cameron, un investigatore di Scotland Yard che conosce Paula durante una delle sue rare uscite, insospettito dal comportamento della donna comincia a pedinare Gregory, scoprendolo ad introdursi di notte nell’appartamento adiacente a quello della coppia.

L’investigatore si avvicina a Paula e le offre il suo aiuto, assistendo lui stesso, all’interno della casa, all’affievolirsi delle lampade a gas. Cameron fruga nello scrittoio di Gregory e trova la prova che cercava: una lettera in cui si scopre che è stato lui ad assassinare la zia per ottenerne i gioielli, e a sposare la nipote con il solo scopo di internarla per avere libero accesso all’abitazione e all’eredità di famiglia.

Gregory, che intanto trova i gioielli, si accorge della presenza di Cameron e aggredisce Paula, per poi essere fermato dall’investigatore e legato in soffitta su una sedia. In soffitta Paula ritrova tutti gli oggetti che il marito nascondeva giorno dopo giorno, incolpando lei per la loro sparizione, e si rende finalmente conto della subdola e logorante macchinazione di cui è stata vittima. Puntandogli un coltello alla gola, Paula si prende gioco di Gregory minacciando che, dal momento che è pazza, potrebbe anche colpirlo in quanto l’arma non esiste. Alla fine, tuttavia, Paula rinuncia alla sua vendetta e permette che Gregory venga arrestato e allontanato per sempre dalla sua casa e dalla sua vita.

Il film, che in Italia è noto con il titolo Angoscia, trasmette sapientemente la sensazione assillante che deriva dalla continua manipolazione emotiva e psicologica a cui si viene sottoposti. Negare che determinati eventi siano mai accaduti, far credere all’altro di avere vuoti di memoria e quindi di star perdendo il controllo di se stesso conduce la vittima verso uno stato sempre più profondo di dissociazione e incertezza, annebbiando e alterando il suo equilibrio mentale.

Gaslight diventa quindi un caposaldo del cinema non solo per l’immensa bravura dei suoi interpreti, ma per la capacità di rappresentare accuratamente l’aspetto psicologico e le dinamiche tra chi subisce questo tipo di manipolazione e chi la esercita.

La pellicola ottiene due premi Oscar, di cui uno a Ingrid Bergman come Miglior attrice protagonista, che si aggiudica anche il Golden Globe come Miglior attrice in un film drammatico.

Scegliere soltanto cinque tra gli aneddoti che ci offre il vasto oceano della storia del cinema è senz’altro riduttivo, ma può certamente diventare un ottimo punto di partenza e una maniera divertente per avvicinare noi stessi o i nostri conoscenti alla bellezza della settima arte.