Representación e Identidad

Esta segunda unidad del curso consiste en el desarrollo de dos ejercicios, bajo la temática de representación e identidad, los cuales son el de retrato de un familiar en ambiente interior y el de autorretrato.

Referentes

Retrato de un familiar en ambiente interior

En cuanto se nos planteó el ejercicio, el primer referente que me vino a la mente fue William Utermohlen. Utermohlen es un artista americano basado en el reino unido que fue diagnosticado con la enfermedad de alzheimer en 1995. A partir de dicho diagnostico, decidió realizar autorretratos periódicamente a manera de documentación del proceso degenerativo de la enfermedad. A medida que la enfermedad fue apoderándose de su memoria y otras de sus funciones mentales, sus propuestas se fueron tornando más abstractas, siempre conservando elementos que remitían a rasgos faciales.

Este es un caso muy particular que representa un espacio compartido entre el arte y la ciencia, igualmente ligado a la identidad y capacidades de Utermolhen. Crea una narrativa mediante el tratamiento que se le da a las propuestas de una forma genuina e intacta por una intención alternativa, pues estas son producto del efecto que la enfermedad tiene en las funciones de su cerebro. Son meramente registros. Mi intención al tomar como referencia este conjunto de obras fue dar a mi trabajo ese tratamiento particular que comunique algo de la condición desde la que el autor elabora la obra.

Autoretrato

Para este segundo ejercicio, tomé como referentes estas pinturas pertenecientes al periodo azul de Picasso. Considero que las expresiones y poses de los modelos en estas pinturas dialogan con el espectador acerca de una sensación, un estado emocional. Acompañadas por la composición, el color y el tratamiento, considero que constituyen obras muy expresivas del espectro de emociones y sentimientos menos positivos. Dado que el ejercicio no incluye el uso de color, los elementos que uso como punto referencia son las poses, expresiones faciales, además de la composición. Busqué que mi trabajo remita al aspecto emocional, como lo hacen estas pinturas.

Buscando referentes, me llamó la atención esta foto del rapero 21 savage. Principalmente por que da una idea de su carácter o actitud, o más bien lo que está intentando mostrar a la cámara. Creo que se conecta con mi idea de retratar un tema emocional o actitudinal. Además, también me pareció interesante integrar el reflejo de luz en el rostro, como se puede ver en el lado izquierdo de su cara. Creo que aporta a crear esta idea de lo emocional, dado que el aumento del contraste en dicha zona puede ser interpretado como algo crudo o en conflicto.

Proceso

Retrato de un familiar en ambiente interior

El concepto de un retrato implica un enfoque especial en representar la identidad y rasgos característicos, mediante la composición, tratamiento, las acciones o elementos visibles en la propuesta, entre otros. En resumen emplear todos los elementos posibles para capturar la esencia de una persona. Por esto, tomé estas fotos de mi familia, así como de mi mismo, que siento que hablan un poco de la identidad de cada miembro. Además, hice bocetos de las que consideré que tenían más potencial para dar a conocer a estas personas.

Primeros avances de los retratos

A partir de la retroalimentación de las fotos anteriores que me dieron los profesores, decidí seguir experimentando con fotos de mi hermano, además de fotos de mi mismo, para ir recopilando ideas para el ejercicio de autorretrato.

A pesar de que finalmente no utilizaría ninguna de estas fotos para el autorretrato, considero que la forma en la que están planteadas es interesante. El ángulo de la cámara permite ver la situación en la que el personaje se encuentra, de la misma forma que una foto panorámica describe un paisaje en toda su amplitud. No es una situación ideal, ni busca representar un ambiente saludable y creo que el desorden encapsula esta idea. Es un poco la resignación de encontrarse en una situación así, donde uno no se encuentra cómodo, pero no puede hacer nada al respecto más que seguir trabajando y esperar que mañana sea mejor. Esta ultima idea está bastante ligada a la coyuntura a la que nos somete la pandemia, pues ha tenido un impacto negativo en el ámbito emocional y la salud mental de muchas personas.

Estas son las fotos que más me llamaron la atención del grupo grande que tomé. El problema que muchas de estas tenían era que se encontraban en contraluz, lo cual no permitía que se evidencie al máximo la volumetría del personaje. Una vez notado este defecto, tomé otras teniéndolo en cuenta y empecé a desarrollar la propuesta de la que mejor cumplía con los criterios del ejercicio.

Considero que la dirección de la luz en la foto es bastante clara y describe la volumetría de la escena adecuadamente. Sin embargo, en la propuesta se puede ver un corte en la articulación del pie, el cual, todos los profesores acordaron, no ayudaba al trabajo.

De este avance en adelante reconstruí el pie en el dibujo, con ayuda de una foto de referencia que tomé posteriormente. Algo que me hicieron notar los profesores fue que en las zonas más oscuras se me había oscurecido más de lo necesario. Por lo que me recomendaron que empezara a manchar con tinta china diluida el personaje (como lo estaba el fondo), en vez del estilógrafo, dado que con el segundo es más fácil que las oscuridades se excedan. A partir de esta primera mancha, podría seguir ajustando los valores con cualquiera de estos materiales. Además que para que el personaje se integre con el fondo era necesario que ambos sean descritos con los mismos materiales, para que no compitan visualmente.

Para este avance final, hice correcciones de valor con tempera blanca diluida en agua. Fueron meramente de valor en las zonas que se oscurecieron más de lo que deberían, tales como: el glúteo o parte trasera del muslo derecho, el pliego que baja por el hombro derecho, otro pliego cerca de la entrepierna y el codo, junto con un fragmento del brazo izquierdo. Esta ultima corrección no consistió simplemente en aplicar la tempera aguada, sino en aclarar toda la zona y volver a ajustar los valores. En la mano izquierda, sin embargo, si hubo una reconstrucción completa. Dado que la mano planteada inicialmente no era anatómicamente correcta, boceteé otra encima y aclaré toda la zona para poder hacer la corrección.

Además, aproximé todos los valores lo más posible a los valores del referente. Me sorprendí bastante al compararlo con el avance anterior. Este lucía plano, dada la variedad de tonos de gris, mientras que este ultimo avance realmente resalta la volumetría y dirección de luz. Verdaderamente me fascinó ver la propuesta cobrar vida después de lucir como una masa gris. Sin embargo, esta comparación funciona por contraste, dado que si encontrara un dibujo con más tonos y detalle también consideraría subdesarrollado este ultimo avance. No intento decir de ninguna manera que esta propuesta es altamente realista, ni que fue resuelta con el mayor dominio de técnica. Únicamente señalo que hubo un gran contraste entre los avances.

Autorretrato

Entre estas fotos y las que tomé anteriormente durante el ejercicio anterior, se me recomendó que trabajara con esta:

Mi intención fue conseguir varios tonos de gris, incluso si el personaje estuviera usando una prenda de color oscuro. Realizé este boceto en A4 y al revisarlo posteriormente, llegué a la conclusión de que el formato no era suficientemente grande como para trabajar detalles.

Este fue mi primer avance en A3, la anatomía todavía no estaba proporcionada correctamente. Es bastante notorio que las manos y la cabeza son muy pequeñas para el cuerpo planteado. Además, tampoco se encontraba estructurado adecuadamente de la cintura para abajo. En resumen, las partes rescatables eran el torso y los brazos.

Una vez hechas las correcciones, empecé a manchar las zonas de oscuridad, mientras que planteaba el fondo.

En este avance el rostro lucía más oscuro de lo que debería estar (especialmente en el lado derecho), sin embargo, quise dejarlo así mientras que no trabajara el fondo, dado que quería ver si, al oscurecer el fondo, el valor del rostro se adecuaba.

En ambas propuestas de la unidad tuve el mismo problema con el corte de los pies y tener que reconstruirlos en el dibujo posteriormente con ayuda de fotos de referencia. En este caso, hasta me era un poco difícil visualizar como se vería la zapatilla desde el ángulo de la foto. Por lo que no creí que fuera capaz de plantearla de memoria. Lo resolví tomando una foto de la zapatilla intentando imitar el ángulo de la foto, guiándome por la parte de la zapatilla que si era visible en la foto.

Es notable en este ultimo avance una corrección hecha en la pierna derecha con otro material. Se trata de la misma tempera blanca diluida que usé para el ejercicio de retrato de un familiar. En este caso fue por que al humedecer la cartulina tantas veces, esta ya no tomaba la tinta diluida de la misma manera. Pues no conservaba la forma que se le daba con la pincelada, se expandía al ser absorbida por el papel. Esto deformó la pierna, por lo que tuve que volver a definir su silueta con este material adicional.

Conclusiones

Probablemente sean productos de la falta de experiencia y siento que a estas alturas no debería estar cometiendo estos errores, pero es evidente que en ambas propuestas hay incoherencias en la proporción de algunas partes del cuerpo humano. Puede que la anatomía no sea mi fuerte, pero creo que es cuestión de ser más cuidadoso en el futuro. Asegurarme de que las proporciones están funcionando correctamente antes de empezar a manchar.

Además, creo que fue interesante abordar las propuestas con la intención de capturar la identidad de la persona, empleando los recursos que sean necesarios de un conjunto infinito de estos. Creo que es una idea que se puede explorar de muchas formas. Desde las aproximaciones más literales y meramente descriptivas, hacia lo más poético, sutil y sugerente.