Sentir no es suficiente: por qué una formación en arte importa

Existe una confusión extendida en torno al arte: la creencia de que estudiarlo puede convertirte en un peor artista. La idea de que basta con volcar lo que se siente, dejarse llevar, y que cualquier forma de estructura o metodología termina coartando la creatividad.

Pero ¿qué significa realmente estudiar arte hoy? ¿Y de qué tipo de arte estamos hablando? Desde mi formación hablaré específicamente del arte figurativo: aquel que busca representar la realidad observable, el estudio del cuerpo humano, la figura, el retrato, la naturaleza. Una tradición que durante siglos fue la base de la enseñanza en las academias de bellas artes, y que artistas de estilos muy distintos — desde los impresionistas hasta Picasso — atravesaron antes de desarrollar su propio lenguaje.

Si comparamos las artes visuales con disciplinas como el ballet, la música o la literatura, algo no cuadra. En música, nadie esperaría tocar bien un instrumento sin años de estudio. En danza, nadie cuestiona la necesidad de técnica. Sin embargo, en el arte visual persiste una idea romántica: que basta con hacer lo que se siente. Es una mirada adolescente y profundamente empobrecedora, tanto para el artista como para el observador.

Vengo del mundo de la publicidad. Como director de arte y diseñador, siempre fue evidente la importancia del oficio, de la práctica, de aprender de otros. Son años para pasar de junior a middle, y de middle a senior. En cuanto al dibujo, desarrollé habilidades desde temprana edad, incentivado por mi madre, profesora de artes, pero sin una práctica formal. Había vacíos que no sabía nombrar.

Reconozco lo difícil que fue aceptar que en las artes visuales rige la misma idea: que todo, en mayor o menor medida, se aprende. El talento no es un punto de partida fijo. También se forma.

Lo viví de cerca: durante mi diplomado de ilustración, algunas posturas cuestionaban abiertamente la instrucción académica. El foco estaba en el estilo personal, pero mis bases tenían lagunas que yo no sabía identificar. Fue al entrar a un taller más estructurado que algo cambió. Comprendí que no es lo mismo soltar que formarse. La metodología no condicionó mi trabajo. Ordenó mi mirada. Me obligó a detenerme, a observar con más atención, a sostener un proceso largo cuando se volvía incómodo.

La historiadora del arte Susan Woodford señala que los artistas más importantes e innovadores tienen una profunda sensibilidad hacia la tradición. Eso implica conocer la técnica. Y hacerlo durante años. Entender la calidad de línea, el ritmo, la composición, la armonía cromática, o cómo se construye un lenguaje visual no restringe el código: lo amplía.

Hoy veo un retorno, todavía sutil, hacia procesos más lentos y rigurosos. Un movimiento casi contracultural frente a la velocidad y la inmediatez. Muchas escuelas y academias (la mayoría fuera del ámbito universitario) están retomando esa tradición.

Como dijo el pintor Joshua Reynolds: “Las reglas no son las cadenas del genio, sino de los hombres sin genio.” Y como plantea la Maestra Juliette Aristides, podemos aprender del pasado no adoptando ciegamente una metodología histórica, sino interpretándola y adaptándola a nuestras propias necesidades.

Nuestra cultura es profundamente visual. Ver es, probablemente el sentido que más usamos para reconocer la realidad. Nunca antes en la historia se habían producido tantas imágenes. Sin embargo, esa abundancia no ha generado mayor comprensión. Aprender a mirar (y sostener esa mirada) en una cultura que constantemente nos distrae es hoy un acto necesario.

Esto no significa que los sentimientos no importen. Importan profundamente. Pero la técnica es lo que les da forma, dirección y alcance.

Desde mi experiencia, el conocimiento no encadena la creatividad. La hace posible. Pero adquirirlo requiere paciencia, tiempo y una relación más consciente con el aprendizaje. El amor por lo que se hace es el motor de la voluntad. Por eso decidí abrir una escuela.